labutaca 2004

Los estudios de animación Pixar han logrado otra película fantástica. Luego de grandes éxitos como fueron las dos Toy Story, Mosntruos S.A. y Buscando a Nemo llega de la mano del director y guionista Brad Bird esta original película de superhéroes.
No se trata aquí de contar la historia, a la que de todas formas pueden acceder aqui. Sino de elogiar aspectos poco frecuentes de ver en las películas de hoy en día. En primer lugar la película hace un elogio de la familia normal. Es un matrimonio con tres hijos, son superhéroes, es cierto, pero en la sociedad actual parece que hay que ser heroicos para defender lo que de verdad es una familia. A su vez hay un crítica muy ajustada a una sociedad que rechaza los modelos heroicos de verdad y se contenta con la mediocridad, con el hecho de “mejor que nadie destaque” o mucho más aplicado aún “que nadie me diga que está bien o que está mal”.
De todos modos la película no es una moralina o mucho menos, es una excelente película de acción que recuerda las viejas películas y series de superhéroes tanto en su planificación escénica como en la banda sonora. Vale la pena, y la taquilla lo demuestra a las claras.

Desde hace unos años y especialmente después de Pulp Fiction las historias corales contadas en forma no lineal ganan un espacio en el cine. En Vidas contadas (13 Conversations About One Thing) esta técnica está utilizada con maestría por la directora Jill Sprecher.
Una frase de esta película que me consta que se ha quedado grabada en los oídos de muchos es algo así como: “La vida tiene sentido cuando la miramos hacia atrás. Es una lástima que tengamos que vivirla hacia adelante”. Y fiel a esta consigna la historia o las historias que se nos cuentan adquieren su pleno sentido miradas desde el final. Por eso importa poco que las cosas se cuenten en orden, es más por eso la narrativa no lineal no solo tiene sentido, sino que hasta resulta necesaria.
La película también muestra que para vivir la vida es necesario tener fe en algo, tener esperanza en algo y que esa fe o esa esperanza si se ponen en el trabajo, en algo material, o uno mismo solo conduce a la infelicidad.

La expectativa por la siguiente película del argentino Juan José Campanella era grande. El hijo de la novia fue una grata sorpresa, que llegó incluso a sorprender a la gente de la academia americana, aunque no tanto como para darle un premio. Sin embargo Luna de Avellaneda suena a más de lo mismo.
La película es entretenida, por momentos emotiva y está bien estructurada en torno a personajes bien logrados. El reparto también es importante. Ricardo Darín interpreta a Román, un remisero que en sus tiempo libres se dedica a sacar adelante el club Luna de Avellaneda, que otrora fuera una poderosa institución. En el club trabaja su mejor amigo, el bohemio Amadeo, interpretado por Sergio Blanco. El club fue fundado por Don Aquiles (José Luis López Vázquez) pero ahora afronta una dura deuda y hay una oferta de compra para convertirlo en un casino. Alrededor de este conflicto y de conflictos personales de los protagonistas se entreteje la historia, que fuera de los límites rioplatenses resulta un poco larga.
El guión es un tanto efectista, pero funciona. Aunque cansa un poco la vuelta y revuelta sobre la crisis económica y sobre el dueto “Darín golpeado por la vida” y “Blanco bufón”. De todos modos la expectativa causada por el éxito de El hijo de la novia no ha sido colmada y la taquilla lo refleja.

Esta película, la primera de los hermanos Coen hoy es quizá a veinte años de su estreno una obra de culto. En ella están sembrados cada una de las características que luego desarrollarían los Coen en el resto de sus películas.
La historia va de un hombre llamado Ray (John Getz) que descubre que su mujer lo engaña con un empleado y contrata a un detective privado (M. Emmet Walsh) para que los mate a ambos. El detective engaña a Ray y lo mata tras quedarse con el dinero que Ray le había prometido como paga por el doble asesinato. Hasta ahora todo en un cliché, pero a partir de allí se teje una historia extremadamente original de confusiones. Los Coen son famosos por reinventar géneros y vaya si lo logran en esta película.
Al mejor estilo Coen las transiciones están sumamente cuidadas y hay algunas como el pasaje de la noche al día a través de la toma fija de una ventana que ha pasado a la historia. Por otro lado la planificación de cada toma, de cada plano, es excelente y logra que cada imagen baje desde la pantalla hasta la retina del espectador explotando a la perfección todos los recursos del lenguaje cinematográfico.
Las actuaciones también son memorables y destaca la de Frances McDormand en su papel de esposa infiel y luego perseguida. Esta mujer luego de su “pecado” escapa permanentemente de la luz, lo cual se hace explícito en la escena final cuando en la oscuridad de una habitación la única luz que entra es la que van generando los disparos de bala que intentan matarla.
Por su fotografía, sus personajes, la historia y por ser la primer obra maestra de los Coen, Sángre fácil puede considerarse como un nuevo clásico.

La directora argentina Lucrecia Martel, que sorprendió a todo Cannes 2002 y a todo el ambiente cinematográfico con su opera prima La ciénaga , vuelve a la gran pantalla con La niña santa. Almodovar oficia de productor asociado de este film en el que Martel confirma su capacidad de contar realizando una ambientación perfecta. El guión es nuevamente un gran acierto y es para destacar la resolución original y técnicamente perfecta del clímax del último acto. De todos modos en la película subyace una idea bastante desacertada de la religión católica, mostrándola enrarecidamente, de hecho en el grupo de catequesis a la que asiste la protagonista, salvo ella y su mejor amiga, las otras chicas parecen todas retrasadas mentales. Y la monja (¿será una monja?) o la chica que dirige el grupo es una hermosa joven de la cual es espectador se queda con la idea de que está “atrapada” por la religión. Todo muy almodovariano. De todos modos estas ideas están sutilmente colocadas y el espectador casi ni las nota.
La historia gira sobre lo sutil. El conflicto se desencadena cuando un médico, el Dr. Jano, se apoya sexualmente sobre Amalia, la protagonista, aprovechando que ambos están apretujados por una multitud que observa como un concentrado músico interpreta su arte con un instrumento el cual emite música sin “tocarlo”, vaya ironía. El Dr. Jano se encuentra en la ciudad asistiendo un congreso que se desarrolla en un hotel dirigido por Helena (Mercedes Morán) ) que es la madre de Amalia. El Dr. Jano se siente atraído por Helena y la atracción es mutua, pero el médico es un hombre casado. Amalia cree entender que Dios la ha llamado a través de aquel contacto con el Dr. Jano y que debe ayudarlo a que no cometa un error con su madre.

Collateral no es la típica película de acción. No me detendré a contar el argumento porque a esta altura ya todos lo conocerán, pero quizá muchos piensen (como yo pensaba hasta ayer) que se trata de otra peli de esas que es mejor ver en video y no gastarse la pasta en una entrada al cine. Nada más lejos de la verdad. Hace tiempo que no me deleito tanto con los diálogos de una película. El personaje del taxista interpretado magistralmente por Jamie Foxx es muy bueno y el recurso de “meter” a los protagonistas en un taxi lleva obligadamente a sostener la acción por medio del diálogo, lo cual está logrado con acierto y casi con brillantez. Tom Cruise también destaca en su papel de asesino que ha perdidos “casi” por completo sus sentimientos. El juego dual de personalidades entre el taxista y el asesino es uno de los mejores aciertos de este filme.
El director Michael Mann probablemente haya logrado su mejor película desde El Dilema , aunque el guión de Stuart Beattie es sin dudas el gran responsable de tan buen producto. Para los seguidores de las extintas series televisivas como “Miami Vice” o “Sturky y Hutch” que se habían visto semi-decepcionados con la mayoría de las incursiones cinematográficas de Mann tienen en Collateral un motivo para sonreír. Pero, repito, el que se lleva todas las palmas es el guionista.

¿Puede un asesino a sueldo, despiadao y frío, ser al mismo tiempo una persoanje que nos resulte amigable? Probablemnte esa haya sido la idea que tuvo Luc Besson antes al concebir al personaje de León.
León vive solo. Es el mejor asesino a sueldo de New York. Es un profesional del asesinato. Por otro lado Stansfield es un juez corrupto, vinculado al mundo del narcotráfico y que por un asunto sin importancia mata a toda la familia que vive parede por medio de León. Solo se salva una niña, Matilda, la cual le pedriá a León que la proteja, cambiandole la vida para siempre.
La historia está muy bien concebida y la labor del director de fotografía, Thierry Arbogast, es apara destacar. Gary Oldman, que interpreta a Stansfield probablemente haya hecho su mejor despempeño hasta el moento y es tan odioso que el espectador toma por bondadoso a León, que trabaja matando por dinero. La actuación de Jean Reno en el papel de León también es admirable, sobre todo por los gestos, las miradas y las caras, que suplen en michps casos la necesidad de los diálogos.
Pero el papel mejor interpretado es sin dudas el de
Natalie Portman , que conenvció a productores y al dirtector de que cambiaran la historia para adpatarla a una nilña de 12 años, ya que originalemnte la chica tenía entre 17 y 18 años. Portman “borda” su papel como Matilda y en uchos momentos carga con el peso dramático de la historia.
En suma, una buena película, que sucitará comentarios diversos pero que no deja indiferente al espectador.
Leon

Canal de Cine
http://www.cinemagazine.com/

Este sitio es mi preferido. Se trata de una reviste de cine que en su edición de portada trae novedades sobre los estrenos, pero presentada cona nimaciones flash que hacen de la página un sitio simplemente formidable. La carátula se presenta con varios fotogramas de los principales estreno y de los reportajes más relevantes de la semana sobre películas, estrellas, etc. A su vez tiene un menú temático en el cual se puede navegar por el cine de actualidad, la cartelera, festivales y premios, reportajes, cine español, entre otras categorías.
Los reportajes son muy buenos y están siempre acompañados por animación finazo con sonido y fotografías o animaciones de las películas buscadas.
A su vez tiene buscadores temáticos, por reportajes, por noticias, por estrenos y en cada buscador se puede afinar la búsqueda tanto como uno quiera.
Como dije al comienzo se trata de un sitio que aprovecha todas las posibilidades multimedia de la web y que a su vez es sumamente informativo, tanto para aficionados como para los que buscan información más de fondo ya que suele traer datos de la producción de las películas y bastante información sobre el montaje, backstages, escritura de los guiones y demás. En suma: una web de esas que vale la pena tener entre los favoritos.

La Butaca - Revista de estrenos y crítica de cine
http://www.labutaca.net/

La butaca es una revista que tiene en portada las películas de la cartelera española y están organizado según semana. Una vez que el usuario elige una película en realidad lo que hace es elegir un enlace hacia una crítica de la misma, complementada con la ficha técnica. A su vez tiene enlaces de interés con películas similares o con otras críticas sobre la misma película. Brinda también la opción de enviar esa crítica a un amigo o de participar en un foro sobre la peli, lo cual es bastante aleccionador para los que somos aficionados al séptimo arte.
Pero en LA BUTACA uno no encuentra solamente estrenos, también hay un buscador en el cual se puede ingresar el nombre de una peli, o de un actor, o de un director, etc... y la búsqueda le remitirá a todas las críticas que tengan que las palabras claves ingresadas. Esta herramienta convierte a LA BUTACA en una de las principales referencias de la crítica de cine en Español. Aunque, claro está, refiere exclusivamente a aquellas películas que han estado, o están en cartel, en España.

El Criticón - Sección de cine clásico

http://www.alohacriticon.com/elcriticon/modules.php?name=Cine&action=Cine&action=cine_estrellasclasico

El Criticón es un buen sitio de críticas, aunque no destaca. Lo que sí es de alabar es su sección de cine clásico. Allí se pueden encontrar críticas y biografías de actores de antología. Quizá uno de los aspectos más destacables de este sitio sea la cantidad de enlaces de cada artículo. Eso lleva a que los mismos sean breves, pero si se leen de forma no lineal, resultan muy informativos y ciertamente extensos, aunque no por ello menos interesantes.

Juan Villegas tiene 52 años y luego de trabajar durante veinte años en una estación de servicio es despedido. Ahora vive con su hija, en un caserío miserable y de a poco administra el dinero de su despido. Juan es un hombre bueno, que hace favores, que ayuda a al gente, pero la gente no lo ayuda a él. Sin embargo un perro que llega a sus manos, también por querer hacer un favor, le cambiará la vida.
El director argentino Carlos Sorín vuelve a lograr lo que ya había conseguido con su anterior filme Historias mínimas Ambas películas son minimalistas, pero no por ello se alejan del gran públcio. Excelente y difícil combinación. Pero en Bombón el perro fición y documental se entremezclan de una manera asombrosa, pues Juan Villegas es Juan Villegas, Walter Donado es Walter Donado y así sucede con varios actores. Sorín ha dicho que ha disfrutado trabajando con “no actores”, lo cual no reduce para nada la calidad de la película.
En el fondo da gusto ver una historia perfectamente real y que probablemente refleje la situación de mucha gente sudamericana, en la que al final, sin artilugios narrativos, una persona buena acaba de la mano de la felicidad, independientemente de las circunstancias.

Joe Gillis: "You are Norma Desmond. You used to be in silent pictures. You used to be big."
Norma Desmond: "I am big. It's the pictures that got small."

Este diálogo ha pasado a la historia junto con otros pasajes de la película El crepúsculo de los dioses. Se han escrito rios de tina sobre si esta película es una crítica a Hollywood, un homenaje al cine mudo, una visión de lo que la fama puede hacer en una persona…
Quisiera detenerme solamente en varios aspectos referidos a los actores, que incréiblemente coniciden con su carcterización en la película. Gloria Swanson interpreta el papel de Norma Desmond, una estrella del cine mudo que ha caído en desgracia debido a la sonorización del cine. Es una mujer que lucha por volver a las pantallas e intenta convencer a la Paramount de que rueden un guión suyo en el que Norma es la protagosnista. Increíblemente Gloria Swanson fue una estrella del cine mudo y su vuelta con gloria a la gran pantalla, luego de muchos años sin figurar, fue justamente con esta película.
Algo similar sucede con el papel interpretado por Erich Von Stroheim. Su personaje, Max, es el mayordomo de Norma Desmond, pero en realidad es un director de cine que ha fracasado, pero que en su momento triunfó rodando películas con Norma Desmond como protagonista. Max siente que debe proteger a Norma y por eso trabaja como su mayordomo. En la vida real Von Stroheim fue un director de cine. Muchos le llaman el director “maldito” pues sus películas eran extremandamente cosotosas y lo suficientemente bizarras como para no lograr éxitos de público. Un ejemplo es Avaricia, que en su versión original duraba ocho horas. En un momento de la película Max proyecta el film “La reina Kelly”, un film dirigido por el mismo Von Stroheim y protagonizado por Gloria Swanson, rodado en 1929 y cuyo fracaso económico precipitó la carrera del director y marcó el comienzo del fín de la carrera artística de Swanson.
Por útlimo William Holden interpreta el papel de Joe Gillis, un guionista de películas de “serie b” que casualmente entra en la casa de Norma Desmond y termina aceptando ser su compañero pues Norma le paga todos sus gustos. Esto también guarda cierto contacto con la realidad pues Holden era visto en Hollywood como un actor de segunda, un galán sin muchas pretensiones que servía para películas románticas. Billy Wilder intuyó que tras esa fachada había un gran talento y realemente acertó.
Quizá algun lector me recrimine el hecho de no hablar sobre “el cine dentro del cine” o la crítica que esta película le hace a la industria hollywoodense. Lo siento mucho, hay demasiada información sobre ello como para aportar algo nuevo. Creo que esotos datos son interesantes y probablmente más de un amante del cine no los conocía.

Por pura casualidad el sábado volví a ver El señor de las moscas, la versión cinematográfica rodada en el 1990 y que es bastante más conocida que la primera adaptación que se hizo en el año 1963. No es la primera vez que veía la película, pero antes solo me había quedado con la idea "cliché" que quiere se transmitir. Esta idea es la que uno de los personajes expresa, citando a Rousseau: "Los hombres son buenos por naturaleza, es la sociedad la que los hace malos". Efectivamente la película muestra como una serie de chavales en principio buenos y bien formados en una escuela militar inglesa se transforman en unos salvajes al cambiar de entorno y sobre todo al cambiar de referentes.
De todos modos mientras los créditos aparecían en la pantalla me hice una pregunta: ¿fue la sociedad la que transformó en salvajes a los chavales? ¿No será que aquellos que no tenían esperanzas en nada y que optaron por "vivir al día" terminaron convirtiéndose en salvajes?
Dentro del grupo de chavales que quedan atrapados en la isla Ralph es el líder. Él ordena lo que cada uno tiene que hacer. Los demás le hacen caso y sobre todo se ven reconfortados en el convencimiento que Ralph tiene de que serán rescatados. Sin embargo empiezan a pasar los días y Jack deja de creer que alguna vez saldrán de allí. Poco a poco Jack va formando su grupo de "cazadores" que se dedican a atrapar cerdos y a holgazanear el resto del día. Esta pérdida de las esperanzas los lleva a no pensar en las consecuencias de sus actos y cada vez se salvajizan más, llegando incluso matar a quienes antes habían sido sus amigos. Finalmente Ralph se queda solo. Aquellos que compartían su esperanza han muestro o han perdido la esperanza, se han "desesperado" y se vuelven salvajes también. Esta situación genera una persecución a Ralph por parte de los salvajes discípulos de Jack, con el único propósito de matarle. ¿Por qué? Solamente por el hecho de matarle, no hay esperanzas en nada y por ende se pierde toda dimensión moral de los actos.
Ralph, en su huida cae extenuado, pero levanta la vista y puede ver a un soldado norteamericano que lidera un tropa de rescate. Ralph tenía razón. En el momento que los demás "salvajes" ven al soldado, recuperan la verdadera dimensión de lo que está bien y lo que está mal y rompen a llorar, conscientes por primera vez de sus crímenes.
Luego de estos hechos yo me pregunto si es la sociedad la que corrompe al hombre o si es la falta de esperanzas lo que terminan por convertir a las personas en unos salvajes que solo viven "al día".